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Día Internacional de la Mujer: Diseñadoras que rompieron moldes

Día Internacional de la Mujer: Diseñadoras que rompieron moldes

Día Internacional de la Mujer: Diseñadoras que rompieron moldes

El 8 de marzo se celebra el Día Internacional de la Mujer. En la plataforma Houzz se homanejean a todas las mujeres destacando a cinco de las mejores diseñadoras del siglo XX. Las consideramos valientes, inspiradoras y con un gran talento a nivel artístico e industrial. Pero, probablemente, lo que mejor las define es la obstinación que mostraron por desarrollar un mundo propio en un sector regido por algunos de los arquitectos y diseñadores más relevantes de su época.
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Relegadas a veces a “asistentes” o “esposas de”, no cejaron en su empeño por demostrar que existían otras formas de pensar los interiores, sentir el mobiliario o promover la fusión de varias disciplinas creativas en un mismo proyecto.
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Eileen Grey Probablemente, abrió el camino para todas las demás sin proponérselo. O quizá sí. Grey nació a finales del XIX en el seno de una familia de la nobleza escocesa. En 1900 viajó a París para visitar la Exposición Internacional y seis años después se instalaría allí definitivamente. Intelectualmente inquieta, se interesó y perfeccionó las técnicas de lacado asiáticas, siendo pionera en adaptarlas al uso y gusto europeo. Viajó por América y el norte de África para aprender el arte del tejido. En 1915 abrió su primer taller para producir mobiliario moderno y fue la primera diseñadora que trabajó el cromo, precediendo a Le Corbusier. Un buen ejemplo de ello es su famosa mesa auxiliar E-1027, que se puede ver en esta imagen. Hecha en tubo de acero y cristal, presenta un asa para que pueda ser fácilmente transportable.
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Siete años después montó una galería de arte en París, donde exponía sus muebles y alfombras. Por si todo esto fuera poco, comenzó a estudiar arquitectura bajo el auspicio del rumano Jean Badovici, con quien llevó a cabo su principal aportación, la que sería su propia casa ubicada en el sur de Francia Denominada asimismo E-1027, en ella plasmó todo su ideario decorativo e industrial: los muebles debían ser prácticos, versátiles y cómodos, los interiores armónicos y llenos de contrastes. Así, el proyecto se caracterizó por una rica mezcla de colores, texturas, formas geométricas, materiales fríos y cálidos, vanguardia y artesanía.
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Bajo esas premisas diseñó varias casas y apartamentos para la élite social francesa, pero la Segunda Guerra Mundial truncó sus sueños al perderse gran parte de su trabajo a causa de los bombardeos y los saqueos, por lo que se retiró de la vida pública. Su trayectoria no fue reconocida de nuevo hasta los años 70, con motivo de una subasta de varias de sus obras y una exposición retrospectiva organizada en Londres. Hoy en día sus muebles auxiliares y butacas, su exigencia como profesional y su legado artístico siguen siendo inspiradores a todos los niveles.
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Charlotte Perriand

“Aquí no bordamos cojines”, le dijo Le Corbusier cuando fue a su estudio a ofrecerse para trabajar con él, siendo fiel seguidora de sus teorías. Poco después, el arquitecto le ofrecería un puesto como encargada de mobiliario en su estudio, tras visitar el salón de Otoño celebrado ese año en París y apreciar su proyecto de bar para el interior de un hogar, que en realidad era su casa. Perriand (nacida en 1903) ya llevaba un tiempo tratando de incorporar nuevos materiales, como el cristal y el acero, al diseño de mobiliario. Las exigencias por parte del arquitecto de resolver las necesidades humanas en todo lo que se creaba en su estudio, provocó que se obrara el milagro.
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Los archifamosos muebles en tubo de acero que actualmente reedita Cassina surgieron de la iniciativa de una joven por crear espacios abiertos y relajados, con muebles para el disfrute que seguían los preceptos de la tecnología automovilística y aeronáutica. La fama y la trascendencia de Le Corbusier hicieron el resto, en una perfecta simbiosis entre humanismo y racionalismo. Perriand destacó asimismo por sus ideas liberales. Atrevida y amante de la vida natural, fue además una excelente fotógrafa de paisajes. Tras abandonar el estudio de Le Corbusier colaboró con Jean Prouvé y con la empresa Thonet, comenzando a investigar sobre las posibilidades de la madera y la arquitectura de montaña.
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A mediados de 1940, Perriand se marchó de una Francia invadida por Alemania y viajó a Japón para trabajar con Junzo Sakakura. Habían colaborado juntos en el pasado y la invitó a ocupar el cargo de asesora artística para el ministerio de industria nipón. Su dedicación tuvo una gran repercusión en términos de diseño para el país. Allí, Perriand refinó su interpretación de la experiencia de vivir fusionando elementos orientales y occidentales, en los que tradición y modernidad conectaban directamente con la naturaleza. Comenzó a manejar elementos como el bambú y el cuero, aplicándolos a nuevos muebles.
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Greta Grossman

Nacida en Suecia, fue aprendiz de carpintería para el fabricante de mobiliario Kärnans antes de estudiar diseño en Estocolmo y montar su propia editora-estudio en la capital. Pronto se mudaría a Estados Unidos tras casarse con el músico de jazz Billy Grossman. Poco después de llegar a Los Ángeles abrió una tienda donde comercializaba mobiliario sueco, sus propios diseños de luminarias y algunos artículos de decoración. Fue coetánea de Perriand y se la conoce principalmente por sus lámparas Cobra y Gräshoppa, hoy producidas por la firma danesa Gubi.
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Durante 20 años, Greta fue una figura relevante en el sector de la arquitectura, el interiorismo y el diseño en California, definiendo la estética de la época al promover la forma de vida escandinava, el modernismo europeo y la filosofía de la Bauhaus. Dirigió multitud de proyectos donde prescribía muebles de otros diseñadores y desarrollaba piezas a medida. Llegó a ser profesora en la universidad UCLA, aunque los últimos 30 años de su vida los dedicó exclusivamente a pintar, de ahí que en parte se perdiera su rastro hasta hace unos años. Las lámparas de Grossman están consideradas entre los diseños más emblemáticos de mediados del siglo XX por aunar rigurosidad, vanguardia y clasicismo, lo que las ha convertido en piezas atemporales.
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Ray Eames

Bernice Alexandra, más conocida como Ray Kaiser Eames, es la única americana de esta lista y probablemente la más popular. Nacida en 1912 en California, estudió pintura con Hans Hofmann y enseguida llamó la atención por su talento artístico, visión global, agudeza visual y memoria fotográfica; virtudes que no dejaron pasar por alto los arquitectos Eero Saarinen y Charles Eames cuando Ray ingresó en la Academia Cranbrook. Pronto comenzó a colaborar con ambos en el desarrollo de un sistema de moldeo para madera contrachapada que cambiaría el mundo del diseño en forma y contenido, así como los modelos de producción y comercialización de los muebles en la época.
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Tras casarse con Charles en 1941, continuaron trabajando en sus propios diseños industriales y arquitectónicos, e incluso en proyectos gubernamentales durante la Segunda Guerra Mundial. Últimamente se ha tratado de investigar el alcance de la obra de Ray Eames a nivel individual para conocer mejor su aportación personal, pero su labor es casi indisoluble de la de su marido. La gran mayoría de las piezas que crearon se consideran clásicos contemporáneos, como la Plastic chair o el Lounge, que hoy produce Vitra para Europa. Pero su influencia no se limita al terreno industrial, y ahí es quizá donde mejor se aprecia la envergadura del trabajo de Ray, en su labor como comisaria y su implicación en los aspectos educativos del diseño. Juntos alteraron nuestra manera de ver el mundo a través de presentaciones multimedia que desarrollaron en numerosas exposiciones para colegios, corporaciones (destaca su colaboración con IBM), o eventos puntuales. Dirigieron unas 80 películas experimentales donde la labor artesanal de Ray y sus composiciones cromáticas adquieren total protagonismo.
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Ese imaginario es su legado más personal. Tras la muerte de Charles en 1978 dedicó gran parte de su tiempo a dirigir el estudio de diseño y ordenar meticulosamente todos los proyectos y productos que habían llevado a cabo. Si hoy sabemos tanto sobre su trayectoria en común es gracias a su nivel de exigencia.
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Nanna Ditzel

Probablemente sea la menos conocida de las cinco, pero sus icónicas piezas forman parte del catálogo de grandes compañías hoy como Georg Jensen, Kvadrat, Fredericia y la española Kettal. Nació en Copenhague, en 1923, y dedicó mucho tiempo a su formación (ebanistería, bellas artes y diseño de muebles) para abrir después su propio estudio, que estableció en 1946 junto a su pareja, Jørgen Ditzel. Bajo el nombre de su marido trabajó hasta su muerte en 2005, pero desde el principio fue Nanna quien llevó la voz cantante, siempre explorando sobre nuevos materiales maleables como fibra de vidrio, cestería o gomaespuma, adaptándolos no sólo al mobiliario, sino también a menaje y textiles.
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Los formatos elípticos y la organicidad son rasgos característicos de sus asientos, como la silla de Trinidad. Sus butacas de mimbre han servido de inspiración desde mediados del siglo XX. La famosa hamaca colgante tipo cocoon para exterior que ella denominó Hanging chair, preconizó algunos diseños de Eero Aarnio y Pierre Paulin en los 60 y todavía hoy es una referencia imprescindible en el mobiliario de jardín.
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Quizá por ese motivo, la empresa Kettal reeditó en 2015 su famoso sillón Basket, un asiento a modo de cesta apoyado sobre un marco ligero de roble que permite múltiples posiciones aunando artesanía, lujo y comodidad. Fue galardonada en la Trienal de Milán de 1951, iniciando una importante renovación estética de los muebles de mimbre. Fuente Houzz
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